Interview with Tania Bohórquez and Musuk Nolte for ‘SYMPTOM: Latin American Contemporary Photography

Tania Bohórquez (Mexico) is a visual artist, active in photography, video and performance. She works along two lines: self-referential and documentary, with a focus on the human fragility in interpersonal relationships and collective structures (family and vulnerable groups). Her co-curator Musuk Nolte is a photographer and editor living in Perú. His work has a documentary and artistic approach to cultural and social issues in dialogue with other sources of understanding the human condition.

For the festival’s 16th Edition, they have come together to curate and presentSymptom“, a group projection showcase of 12 photographers from Latin America.

Latin American photography is not an ideal, it is an effervescent space of resistance.

                                                                                                                                                       

– Tania Bohórquez and Musuk Nolte

“La Resistencia de los cuerpos” by José Luis Cuevas (México)
“Llano” by Juanita Escobar (Colombia)

What was your intention with ‘Symptom‘? What is it about and what did you want to show?

Nuestra relación con América Latina como campo artístico (espacio curatorial) estuvo determinado por las variables: Poder y Territorio, queríamos mostrar la complejidad de un espacio efervescente; y después de una serie de reflexiones, optamos por no definir una identidad como un espacio de reafirmación, si no como un espacio de punto de encuentro para enlazar las distintas miradas de la producción visual latinoamericana, mostrando un lugar refugio y un campo  (político, social, económico de sobrevivencia y resistencia) que a través de la fotografía se puede comprender.

Inicialmente nos aproximamos a la hidrografía, como el eje que va más allá de las fronteras impuestas por la conformación de los estados nación, la idea de los ríos como cuerpos de agua, que se van transformando permanentemente con el ciclo inevitable que supone el tiempo, nos permitió construir nuestra definición de Cuerpo, apelando a la idea de lo territorial y espacial.

Es entonces que quisimos mostrar un  “Corpus” con signos y formas, afectado y estimulado por las cicatrices de su historia que influyen en el presente. Pero sobre todo pretendemos mostrar un cuerpo con “Síntomas”  que manifiesta la urgencia de reestructurarse. Nos interesa hablar de esa fragilidad como una fortaleza y agente de cambio.

Our relationship with Latin America as an artistic field (curatorial space) was determined by the variables: Power and Territory, we wanted to show the complexity of an effervescent space; and after a series of reflections, we chose not to define an identity as a space of reaffirmation, but as a meeting point to link the different views of Latin American visual production, showing a place of refuge and a field (political, social, economic, of survival and resistance) that through photography can be understood.

Initially, we approached hydrography as the axis that goes beyond the borders imposed by the conformation of the nation states. The idea of rivers as bodies of water, which are permanently transformed by the inevitable cycle of time, allowed us to construct our definition of the Body, appealing to the idea of the territorial and spatial.

It is then that we wanted to show a “Corpus” with signs and forms, affected and stimulated by the scars of its history that influence the present. But above all we wanted to show a body with “Symptoms” that shows the urgency of restructuring itself. We are interested in talking about that fragility as a strength and agent of change.

“Puerpera” by Debora Elenter (Uruguay)
“Cartas para Gemma” by Mariceu Erthal (México)

What are you interested to say about contemporary Latin American photography?

Latinoamérica ha sido vista desde una perspectiva occidentalizada, esquematizada por preconcepciones hegemónicas que han rechazado la singularidad de sus elementos singulares, lo que ha implicado una exclusión de los relatos colectivos con perspectivas propias, generando una marginación en la historia.

Consideremos importante mencionar que esta curaduría no es una contra respuesta a otra miradas exteriores que han hecho el ejercicio de profundizar en los relatos, pero sí consideramos el hecho de que la bandera latinoamericana ha sido sujeta a preguntas irresolutas: ¿Qué la une?, ¿Qué se repite en sus sociedaddes?, ¿Qué tienen en común sus países? y conceptos como: revoluciones de independencia, herencia cultural milenaria, dictaduras, violencia, indigenas, territorio, festividades, etc. tienen una lectura más diversa.

En los últimos años, la democratización de la fotografía y sus accesos a aparatos masificados de registro, han cambiado el paradigma visual. Ahora la representación en América Latina surge desde la polifonía, de la diversidad cultural y de una urgencia por ser partícipes en la construcción de la historia y de una serie de identidades que han creado una amalgama donde el propio registro documental se redefinió con un imaginario enriquecido por la influencia del territorio y nos interesaba hablar de eso.

Latin America has been seen from a Westernized perspective, schematized by hegemonic preconceptions that have rejected the singularity of its unique elements, which has implied an exclusion of collective stories with their own perspectives, generating a marginalization in history. 

We consider it important to mention that this curatorship is not a counter response to other external gazes that have made the exercise of deepening the stories, but we do consider the fact that the Latin American flag has been subject to unresolved questions: What unites it, what is repeated in their societies, what do their countries have in common, and concepts such as: independence revolutions, millennial cultural heritage, dictatorships, violence, indigenous people, territory, festivities, etc. have a more diverse reading.

In recent years, the democratization of photography and its access to massive recording devices, have changed the visual paradigm. Now the representation in Latin America arises from polyphony, cultural diversity and an urgency to participate in the construction of history and a series of identities that have created an amalgam where the documentary record itself was redefined with an imaginary enriched by the influence of the territory and we were interested in talking about that.

“Musas Muxe” by Nelson Morales (México)
“La casa que sangra” by Yael Martínez (México)

What was the selection process of the artists included in the show? What were you looking for?

Es importante señalar que la producción visual en Latinoamérica es muy grande y nosotros decidimos vincularnos con proyectos que se conectan con el concepto de cuerpo, militancia y resistencia.

Al tener clara ésta perspectiva establecimos el parámetro para seleccionar autoras y autores, que desde sus diferencias, podían conformar un conjunto que -aunque no pretenda establecer un canon- propone una ruta de aproximación que tenga como eje la fotografía como documento en su amplia gama de aproximaciones.

Nosotros trabajamos a partir de una investigación, discutimos los posibles temas, proyectos, conceptos y decidimos invitar a autores (mujeres y hombres) específicos para trabajar con nosotros, el criterio de selección fue por invitación, varios de los proyectos los conocemos de tiempo atrás y la mayoría son proyectos de largo plazo.

Pensamos en dar una aproximación de autores (mujeres y hombres) activos, que representan distintos temas y pulsiones. Pero que al mismo tiempo los mueve un compromiso ante realidad, nos interesó presentar una serie de artistas que confrontan su posición en el mundo y así mismo problematizan el lenguaje fotográfico al incluir maneras de entender la historia y la imagen desde un lugar más complejo, los autores aquí presentados han encontrado medios, construido estrategias y dinámicas para conformar un lenguaje visual propio, que si bien recurren a elementos retóricos de la fotografía documental (o el nuevo documentalismo). Han construido una poíēsis que integra las urgencias de los países que habitan.

It is important to point out that visual production in Latin America is very large and we decided to link up with projects that are connected to the concept of body, militancy and resistance.

Having this perspective clear, we established the parameter to select authors, who from their differences, could conform a group that – although it does not pretend to establish a canon – proposes a route of approach that has as an axis the photography as a document in its wide range of approaches.

We worked from an investigation, we discussed the possible topics, projects, concepts and decided to invite specific authors (women and men) to work with us. The selection criteria was by invitation, several of the projects we know from long time ago and most of them are long term projects.

We thought of giving an approximation of authors (women and men) active, representing different themes and impulses. But at the same time they are moved by a commitment to reality, we were interested in presenting a series of artists who confront their position in the world and also problematize the language of photography by including ways of understanding the history and the image from a more complex place, the authors presented here have found ways, built strategies and dynamics to shape a visual language of their own, which while resorting to rhetorical elements of documentary photography (or the new documentary). They have built a poíēsis that integrates the urgencies of the countries they inhabit.

 

“Chungui, o el viaje al sureste del olvido” by Max Cabello (Perú)
“Feminicidas (Azcona)” by Rueda Photos (Argentina)
“Tonatiuh” by Juan Brenner (Guatemala)

Tell us about your collaboration to curate the show. How did you work together or complement each other in the curatorial process?

Un punto que influyó, es que somos creadores visuales, hemos estado vinculados a procesos editoriales y de interlocución con otros autores (Musuk es fundador de la editorial KWY) y tenemos la cierta afinidad y preocupación sobre varios temas, así como el interés en la imagen como un medio de expresión primario, visceral y a la vez como un instrumento de movilización social.

El proceso inicial fue preguntarnos: qué decir, para qué y por qué, discutimos, investigamos, vimos el trabajo de varios autores y decidimos invitar a cada artista, solicitando entre 20 y 60 imágenes; Musuk con su experiencia estructuró el material en una plataforma digital para hacer las primeras propuestas, Tania desde su perspectiva hacía intervenciones, modificaciones, un balance natural surgió de una manera orgánica, para nosotros era importante involucrarnos todo lo posible con los proyectos y a pesar de tener latitudes diversas (Lima, Perú y Oaxaca, México) decidimos compartir pantalla para editar cada video, dar un tiempo y un ritmo específico a cada imagen, Tania haciendo una parte de imagen en movimiento en diálogo con Musuk, ambos considerando observaciones mutuas, fue un proceso de confianza e interlocución, desde encontrar los audios adecuados o pedir más imágenes, sin embargo los proyectos se fueron articulando así mismos.

Nos interesaba que todos los proyectos se conectaran entre sí, que existiera una narrativa en el discurso global y que juntos lograrán construir ese cuerpo sintomático.

One point that has influenced us is that we are visual creators, we have been linked to editorial processes and to dialogue with other authors (Musuk is the founder of KWY publishing house) and we have a certain affinity and concern about various issues, as well as an interest in the image as a primary, visceral means of expression and at the same time as an instrument of social mobilization.

The initial process was to ask ourselves: what to say, what for and why, we discussed, researched, saw the work of various authors and decided to invite each artist, requesting between 20 and 60 images; Musuk with his experience structured the material in a digital platform to make the first proposals, Tania from her perspective made interventions, modifications, and a natural balance emerged in an organic way. For us, it was important to get as involved as possible with the projects, and despite having different latitudes (Lima, Peru and Oaxaca, Mexico), we decided to share screen to edit each video, give a specific time and rhythm to each image; Tania doing a part of moving image in dialogue with Musuk, both considering mutual observations. It was a process of trust and dialogue, whether it was finding the right audios or asking for more images; however the projects were articulating themselves.

We were interested in the fact that all the projects were connected to each other, that there was a narrative in the global discourse and that together they would manage to build that symptomatic body.

“Mapuche” by Pablo Piovano (Argentina)

Curating during the time of a pandemic, how did that affect or influence you and your process?

Fue un proceso complejo, porque la pandemia agudiza los problemas que ya padece la región. En pleno proceso de edición, estalló una revolución ciudadana debido a la crisis política en el Perú que llevó a tener 3 presidentes en una semana, manifestaciones masivas y una semana de represión muy violenta. Lo que supuso caminar al borde del abismo como un aviso de que el pasado de las dictaduras militares, con sus miles de desaparecidos volvían como un fantasma.

Al mismo tiempo, un accidente hizo entender la fragilidad del cuerpo físico como una metáfora del cuerpo social conectado al instinto de supervivencia que quizás define la región, donde por un lado son países con una inestabilidad política constante, pero que han aprendido a sobrellevar las situaciones.

Y por otro lado, pensar en las consecuencias de la pandemia, el confinamiento, las limitaciones de viajes. Fue una oportunidad para tomarse el tiempo de parar, pensar, tomarse una pausa y replantear las prioridades.

It was a complex process, because the pandemic is exacerbating the problems that the region already has. In the middle of the editing process, a citizen’s revolution broke out because of the political crisis in Peru, which led to three presidents in one week, massive demonstrations and a week of very violent repression. This meant walking on the edge of the abyss as a warning that the past of the military dictatorships, with their thousands disappeared, was returning like a ghost.

At the same time, an accident made us understand the fragility of the physical body as a metaphor for the social body connected to the survival instinct that perhaps defines the region, where on the one hand there are countries with constant political instability, but which have learned to cope with situations. 

And on the other hand, think about the consequences of the pandemic, confinement, travel limitations. It was an opportunity to take time to stop, think, take a break and rethink priorities.

“Dulce y salada” by Jorge Panchoaga (Colombia)
“Protestas” by Eric Allende (Chile)

How can making photography, or art, be an act of resistance?

La fotografía en sí misma en su necesidad de dialogar con el mundo, propone dos maneras de resistir: De manera introspectiva y existencial. Y la otra como herramienta de movilización, denuncia e interpelación social.

Photography itself in its need to dialogue with the world, proposes two ways to resist: introspective and existential. And the other as a tool for mobilization, denunciation and social interpellation.

Interview by Tan Lee Kuen